Bahia Vik - Artistas

Pablo Atchugarry

Alvaro Amengal

Amengual Suite ~ Las horas ~ Óleo sobre madera ~ Bajorrelieve de cerámica

Amengual realiza tres grandes núcleos pictóricos en esta habitación, donde genera una visión que va desde la proximidad curiosa, necesaria para observar las aves, a los primeros planos de flores locales, realizados con una delicada y, al mismo tiempo, expresiva técnica, en que la materia de la pintura adquiere su propia personalidad.

Un segundo grupo pictórico es un cuidado friso en que el paisaje de la estancia está representado magistralmente y en el que se observan las transformaciones de la luz, desde el amanecer hasta la noche. Todo va adquiriendo una transformación casi teatral: los rubores del alba dan paso a la exultación de la luz del medio día, y la tarde y la noche nos transmiten ese lento declinar hacia las horas del reposo y el misterio.

El tercer elemento es un gran cielo, tal vez el protagonista del paisaje del campo uruguayo ~ al curioso no le faltarán ejemplos en la historia del arte nacional a tales efectos.

Amengual, con un manejo firme y sensual de la materia, comunica estos sentimientos con grandeza y con la minuciosidad del explorador de tierras ignotas. Enrique Badaró ~ 2008

Biografía – Álvaro Amengual nació en Montevideo, Uruguay, en 1957. Tiene una larga trayectoria artística, desarrollando actividad docente en su propio taller y en instituciones de prestigio nacional. Ha obtenido el Premio a la trayectoria otorgado por la B’nai B’rit en 2007.

Enrique Badaró

Carlos Barea

Barea Suite~ El paisaje de la idea ~ Pintura acrílica y técnicas gráficas sobre lienzo ~ Pintura acrílica y técnicas gráficas sobre madera (cedrillo)

El artista compone sus obras en la habitación, generando un diálogo entre pinturas sobre telas, como si se tratara de cuadros tradicionales. Pero la ubicación de las obras conforma una instalación particular y atractiva, interviniendo la pared como un gran mural.

Una iconografía personal ~ con alusiones a la música, al minimalismo o a símbolos precolombinos o rúnicos— interactúa con una iconografía extraída del paisaje local, el emblemático monograma de la familia VIK, seres mitológicos, caballos que pueblan la historia y las fábulas de muchas culturas pero también pertenecen a la fauna que identifica la pradera uruguaya.

Por otro lado, una pintura sobre madera que toma la forma de la arquitectura plantea otra propuesta diferente. Barea se inspira en el mágico paisaje del campo al norte de la costa de José Ignacio, generando una casi cinematográfica visión, en que un primer plano de vegetación baja, pasto, briznas, pajas, con un tratamiento casi oriental, en paleta alta y cálida, cubre la mayor parte de la obra, mientras que en la parte superior, el juego de colores fríos identifica el agua ~ río, laguna ~ y luego el cielo.

Los intensos colores dan una vibrante presencia a la creación de Barea, en la zona de la estancia desde donde se percibe el nacimiento del día y el espectáculo del despertar de la naturaleza.
Enrique Badaró ~ 2008

Biografía – Carlos Barea nació en Montevideo, Uruguay, en 1954. De extensa y potente carrera artística personal, realiza innumerables exposiciones individuales y colectivas. Ha trabajado como diseñador y tiene una larga experiencia en la docencia del arte en prestigiosas instituciones nacionales. En 1991, expone la serie Romanos, en IMF Atrium, Washington DC, y en 1997 obtiene la Beca Intercampus, Procedimientos Pictóricos, de la Universidad de Barcelona.

Marcelo Betancourt

Gloria Boxer

Eduardo Cardozo

Cardozo Suite
Horizonte incierto
Técnicas mixtas pictóricas
Gráficas sobre pared
Ensamblaje de objetos

La tela son las paredes. Hay un camino hacia el pasado remoto. Nuestros antepasados, hundidos en las tinieblas del tiempo, utilizaron las superficies rígidas de las rocas y los muros naturales para pintar, esgrafiar, esbozar bajorrelieves, intenciones escultóricas, grafías llenas de misterios, alusiones, ora realistas, ora abstractas. La piedra, la superficie rígida, rige la estética de este pasado cautivante. Eduardo Cardozo nos propone un viaje en este sentido. Su obra prescinde de la tela; las paredes son el soporte y la obra misma. Diferentes capas de nivel, en que el material engorda y se rehunde, albergan las superficies del enduido, el yeso y, finalmente, las sugerentes y seductoras capas de pintura, de color, y el collage con fragmentos de mosaicos. Todo está inundado de una coloratura natural. El ocre suave, característico de Cardozo, nos habla de su estilo. Los piques de madera, de sección circular o de sección cuadrada, brotan de las paredes como gritos del pasado. Los materiales se rozan entre sí, se friccionan, generando los dramas de la naturaleza, lo telúrico. Un pique de piedra, hermoso como todo lo viejo, con sus líquenes adosados, nos permite apreciar la refinada visión de un creador particular. Los tonos y semitonos de la piedra gris, con los verdes grisáceos, nos remiten a los conceptos orientales de belleza que se encuentran en el principio del rojaku, aquel agridulce sentimiento de la quieta belleza que percibimos al encontrar vida en una flor, un vegetal, un liquen, a partir de un cuerpo / o una superficie muertos, sin vida. El artista se concentra en un tronco sin vida o, en este caso, en una piedra. Pero esta piedra, a su vez, nos hace vibrar y nos retrotrae a la actividad humana. El pique de piedra servía para demarcar terrenos, para delimitar con alambrados las tierras; hoy en día sabe a viejo. En otro momento fue tal vez la novedad suscitada por los hermosos muros de piedra acumulada que forjaban las fronteras líticas de las comarcas rurales. Estar en la habitación trabajada por Eduardo Cardozo es estar dentro de una de sus obras. Lo bidimensional se transforma en un espacio habitable, pleno de palimpsestos sin letras ni signos, pero en los que las formas y los materiales superpuestos nos ayudan a intuir el alma de un artista que desarrolló su lenguaje en la ciudad, pero cuya infancia estuvo habitada por el imperecedero horizonte del campo. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ EDUARDO CARDOZO nació en Montevideo, en 1965. Es egresado de la Escuela Nacional de Bellas Artes (taller Ernesto Aroztegui). Cursó cuatro años en la Facultad de Arquitectura. Estudió grabado con Luis Camnitzer. Ha realizado exposiciones individuales en la Galería del Notariado, el Centro de Exposiciones de la Intendencia Municipal de Montevideo, la Alianza Francesa, el Museo Blanes, la Alianza Uruguay-Estados Unidos, el Espacio Engelman-Ost, la Estación Central (AFE), el Subte de Montevideo, la Galería Marte, la Galería Sur, el Goethe-Institut.

Marcelo Daglio

Desde su graduación a la fecha, Marcelo Daglio a desarrollado sus obras e ideas, en forma de profesional independiente, habiendo instalando su estudio desde un inicio en la ciudad de Montevideo. Ha desarrollado multiplicidad de programas arquitectónicos: locales comerciales, hotelería, gastronomía, edificios de oficinas, viviendas, sus obras han salido publicadas en numerosas revistas locales e internacionales. Pero donde su personalidad arquitectónica se ha destacado con mayor énfasis es en el desarrollo de Residencias Privadas.

La mayoría de sus obras las ha obtenido por encargue directo o a través de concursos particulares compitiendo con los estudios más calificados de la región. Es así, que la mayoría de su obra ha sido realizada en Uruguay, destacándose en particular la realizada en Punta Del Este y Montevideo. La personalidad y la impronta de su arquitectura le han permitido al Arq. Marcelo Daglio realizar innumerables proyectos y obras en el extranjero, realizando gran cantidad de proyectos residenciales en la República Argentina y en la ciudad de Asunción, República de Paraguay.

En el año 2001 tiene la posibilidad de desarrollar una serie de proyectos de suntuosas residencias en Windemere, Eleuthera en las Bahamas pudiendo realizar dos de sus proyectos en el año 2002. En el año 2002 también es invitado a realizar la remodelación de un lujoso apartamento en Manhattan en la ciudad de New York, habiendo concluido las obras en el año 2004. En el año 2004 presenta un proyecto de remodelación de un hotel en el centro histórico de la ciudad de Maranello en Italia, el cual ha sido aprobado por la comuna y actualmente a la espera de comenzar la construcción del mismo.

Biograhía ~ Lugar y fecha de nacimiento: 18 de mayo de 1957, Montevideo Uruguay. Experiencia académica: Graduado como Arquitecto y Urbanista en la facultad de Arquitectura de la Republica Oriental del Uruguay el 26 de noviembre de 1988.

Agueda Di Cancro

South Garden ~ Horizonte ~ Técnicas sobre vidrio ~ Esmaltado en vidrio

Con sus vidrios, Águeda nos transporta a un mundo cercano al agua, el de las transparencias que licúan el espacio. La ubicación de su obra es el patio sur: la zona de la piscina que metafóricamente se abre o remite al océano, el mar, la laguna, el arroyo, la frescura del aire que nos llega desde el sur —y por

qué no— desde miles de kilómetros, en línea recta, proveniente de una onírica Antártida.

Con su femenina delicadeza y tersura, Águeda nos ofrece una suerte de re nado mural, suave parte de la arquitectura que acompaña el horizonte poderoso de este paisaje lleno de cielo, de aves, de aire libre. Raíz y ala son los elementos principales de la obra de Águeda. El vidrio vuela, habla de levedad, de fragilidad, de hermosura alada. La inserción arquitectónica nos habla de raíz, de material aferrado al suelo, a la tierra.

Águeda incorpora, en sus vidrios azules, sutiles texturas, _nos alambres enjoyados, tejidos con la maestría y el engarce de un joyero. Burbujas de aire generan diáfanos mundos pequeños donde todo se puede encontrar en una suerte de aleph que nos permite entender la totalidad del universo en un punto

único y solitario. En conjunto, esos mundos forman un ensamblaje intensamente particular.

Por otro lado, el manejo del esmalte como mancha —la técnica del tachisme—, explosiona con fuerza incontenible. Los azules chorrean libremente, se difunden, dominan la transparencia del vidrio, rigen la coloratura. Águeda incorpora el naranja en toques cálidos de la pintura, que es casi acuarela. Toda su obra son hermosas grafías transparentes en la pared. Los pequeños fragmentos de vidrio son como el estallido de las olas contra las rocas del océano. La ubicación de sus vidrios es como un abrazo en el patio sur; acompañan los muros laterales en su escritura horizontal y líquida, como las manos extendidas ofreciendo calma y una inhalación del intenso aire del este uruguayo. Enrique Badaró ~ 2008

Biograhía ~ Agueda di Cancro nació en Montevideo, Uruguay. Luego de obtener una beca en México, se dedicó a la escultura en vidrio. Realizó una exposición individual en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, México, en 1965. Art Friends, Montevideo, 1970, 1971; Galería del Cuerpo de Notarios, 1972; Alianza Francesa, 1976; Karen Gugelmeier, 1982; Museo de Arte Contemporáneo, 1983, 1989; Alianza Cultural Uruguay-Estados Unidos, 1986, 1995; Centro de Arte y Comunicación, Buenos Aires, 1988; Metro Municipal, 1989; Museo de Arte de Maldonado, 1992; Instituto Italo-Latinoamericano, Roma, 1994; Museo Torres García, 1995; Fundación Buquebús, 1998.

Lacy Duarte

Lacy Duarte Suite ~ Técnicas textiles, collage, cosido, bordado ~ Ensamblaje de muñecos tallados en madera de ceibo sobre banco de carpintero

Duarte es una artista aferrada a un pasado intensamente rural. Sus recuerdos de la infancia y primera juventud —cuando los juguetes eran hechos por su madre tallando la madera de ceibo— y los materiales elementales ~ el barro, la lana, la sangre de animal— marcaron para siempre la visión estética de esta prolífica artista uruguaya.
Pero es importante destacar que su formación comienza con una visión académica, al asistir a clases con un maestro de pintura húngaro. Muchos años después, luego de viajar por los grandes centros artísticos internacionales, en Europa y Estados Unidos, regresa convencida de que su lenguaje pasa casi exclusivamente por el reencuentro con sus raíces más profundas: las que la unen con el campo uruguayo.

Las traperas ~ elementos ya emblemáticos en la obra de Lacy Duarte— nos remiten a este mundo inasible y mágico de la vida campestre. La trapera es un elemento de uso cotidiano empleado para abrigar, para cubrir. Es también el símbolo de la protección afectiva, frente a las fuerzas desatadas de una naturaleza enorme y magnánima.

Personajes, cual figurillas arcaicas, tallados en madera siguiendo el hilo generacional de lo aprendido de su madre, ornan/habitan regiones cálidas de la habitación.

La coloratura elegida para esta sala se remite a las paletas habituales de la cotidianidad campesina: los tonos madera, marrones, beiges, generan una entonación intensamente telúrica y natural, con raíces profundas en los objetos y la existencia de los habitantes sencillos de esta rica tierra.

Al colgar sus mariposas de plata y piedra, Duarte hace un guiño a los seres pequeños: los insectos, los mínimos representantes de un paisaje olvidado. Seres larvarios que con esfuerzo y en silencio llevan a cabo el milagro de la vida. Un susurro de metal y seda que protege el sueño del viajero.
Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ Lacy Duarte tiene una extensísima carrera artística, habiendo realizado innumerables exposiciones individuales en el Uruguay y en el exterior. Ha recibido importantes premios y distinciones. Representó a Uruguay en la Bienal de Venecia del año 2006.

Clever Lara

Sala de Estar ~ Velos ~ Óleo sobre tela

Paisaje especular. Vemos en el techo lo que estamos viendo desde el cielo. De hecho, la experiencia primera de este artista sobre esta tierra fue su percepción desde el aire, al sobrevolar los magníficos campos que rodean la laguna de José Ignacio y se extienden más allá…

Lara realiza entonces el proceso de creación y recreación de estos datos visuales y sensibles de lo que su tierra y su costa significan. Comienza un proceso de incorporación de elementos extraños al paisaje, los que marcan los lugares de importancia como sutil precaución: joyas sencillas, canicas, caracoles, avioncitos de papel, nubes de algodón.

Otros dos sistemas interactúan sobre este mapa invertido. Un sutil velo, amarrado a los extremos, genera un centro de atención radial, enorme.

Lara juega con las evocaciones de las cuerdas náuticas de atar: la ligazón con la tierra, con su tierra, con el mar y con el cielo.

La tensión entre los elementos y la descripción de la costa uruguaya comunican una vibración única. Por otro lado, cromáticamente Lara se zambulle en el mundo de los colores regidores de casi todo el centro de la estancia Vik. Con paulatina y tenue armonía va pasando de una coloratura a la otra: es así que encontramos que la zona sur es azulada y refleja la frescura del océano, la laguna y el arroyo; la presencia del agua en la zona este: los rojos cálidos señalan el despertar energético del día, el amanecer, con el encanto de las propuestas nuevas de la jornada que comienza. Los marrones y grises marcan el oeste, el final del día, cuando la calma comienza a cubrirlo todo. Hacia el norte, los verdes nos hablan de las praderas que se extienden infinitas, con evocaciones continentales.

Lara construye, asimismo, dos grandes frisos laterales, no ya como el paisaje visto desde el aire sino como cajas o nichos en los que descubrimos nuestros reconocibles iconos costeros —faros, playas, rocas, ciudades, pueblos… en fin—. Cual friso jónico que rodea el interior de los templos griegos, este maestro del arte uruguayo nos enfrenta al gozo de ver/percibir una tierra y un paisaje únicos: el apasionante mundo de la costa uruguaya.

El óleo sobre tela fue su opción técnica, sin modificar, en términos clásicos, el placer de la pintura en su verdadera magnitud. La composición segura y firme nos da esta monumental presencia pictórica, que exalta nuestra estadía en el espacio central del complejo Estancia Vik.

Biografía ~ Clever Lara nació en Rivera, el 26 de noviembre de 1952. Entre 1966 y 1972 inclusive, estudió en el taller de Edgardo Ribeiro. En 1984, en usufructo de la Beca Guggenheim, estudió grabado en metales en el Pratt Graphics Center de New York y con Luis Camnitzer en Valdottavo, Lucca, Italia.
Expuso individualmente en Rivera, Montevideo, Santiago de Chile, Lima, Buenos Aires y Nueva York. Formó parte del envío oficial a la Bienal de San Pablo, en dos oportunidades, y a la Bienal de Venecia en 1986. Más tarde fue curador y comisario de los envíos oficiales a esas bienales.
La bibliografía en la que se analiza su obra es extensa, con autores como Damián Bayón, Rafael Squirru, Ángel Kalenberg, entre otros.

Marcelo Legrand

Barbacoa ~ Pinturas poliméricas sobre metal, pincel y rodillo

En Estancia Vik y en todo Uruguay, el asado es un espacio de fuerza, de placer nutricional. Es el lugar de los primeros encuentros alrededor del fuego donde un grupo de seres humanos asan la carne original para luego alimentarse alrededor de mesas de madera indígena irregular. En el Barbeque de la Estancia, esta tradición se contrasta y se complementa con la estructura geométrica y metálica de Legrand. La estructura de su arte elimina la forma. El marco de la Parrilla es de chapa ondulada, que se une arriba con el techo metálico de la estancia atando el espacio que cubre y protege toda la arquitectura con el espacio que alimenta y nutre a sus habitantes.

Para decorar las paredes, Legrand eligió colores salvajes. Empieza intuitivamente con la mancha, la pincelada hosca, violenta a veces. Gradualmente, lentamente, de una manera sutil y suave, a través de un pensamiento cuidadoso, estos colores interactúan y forman una estructura. De esta génesis mítica, del caos, se materializa una composición abstracta organizada con claros centros de interés, sin ofuscar nunca la presencia del metal.

Master Suite Legrand ~ Collage sobre papel ~ Papeles tratados con pinturas y tintas ~ Inclusión de madera en piedra

Marcelo Legrand descubre y explora un mundo personal. El observador queda inmerso en una estética con algo de oriental. El papel translúcido, de carácter frágil, es potenciador y es potenciado a la vez por sus opuestos complementarios (ángulos, líneas rectas en materiales primarios, irradiadores de energía elemental pura). Todo está en su justa medida. Lo ocurrente se transforma en preciso, a través de una cadena de reacciones que el autor provoca.

Legrand utiliza varios elementos sumamente atractivos, generadores de zonas visuales diferentes. Despierta interrogantes. El elemento sorpresa es solo una muletilla para sumergir al espectador, al huésped de turno, naturalmente, en la atmósfera de esta instalación-habitación. La luz ambiente se desparrama por las paredes interactuando con los cuerpos luminosos, logrando climas diferentes entre el día y la noche.

Al acercarse en planta a una diagonal, como intervención-instalación vertical, un elemento con papeles de arte translúcido es el imponente marco de fondo de la cama. Al centro aproximado de la habitación, en el aire pende un artefacto luminoso de arquitectura desconstructiva, hecho de metal y papel. Un frente de estufa poderoso, implacablemente escultórico, en piedra y maderas, remata esta primera diagonal de la habitación.

Todo esto interactúa, con sutileza refinada, con planos de papeles verticales, etéreos, en que las grafías geométricas apenas son marcadas con color, y así el observador se introduce en una trama blanca sobre el translúcido natural del papel, o en la otra, en que el negro se comporta como la propuesta complementaria.

La escultura de cajas es un hallazgo estético de elevadísimo valor artístico. Se trabaja con metáforas relativas a las acumulaciones clasificatorias del almacenamiento, del enciclopedismo. Podrían hacer acordar a una biblioteca de obras visuales, a un acopio geométrico de lámparas, de rectángulos, de prismas. Junto con la araña principal, se juega con la transparencia. La luz atraviesa las superficies. Hay una alusión al vitral, a la interacción de los vidrios de colores, sin por supuesto serlo pues la base de la obra es el papel. El color se transparenta, ya que está puesto de un lado y del otro del papel, generando medios y plenos tonos. Estos son atravesados por luces tenues. Hay un diálogo entre el refinamiento, la sutileza y la fuerza escultórica poderosa. Todo reverbera al unísono.

Legrand logra un espacio de poesía visual. Da origen a una atmósfera presentada para la relajación y la contemplación. Es un buscador claro y neto del conjunto artístico, para un espacio especial, en un lugar muy especial. Enrique Badaró ~ 2008

Biografíia ~ Marcelo Legrand nació en Montevideo, Uruguay, en 1961. Entre 1977 y 1982 estudió con Héctor Sgarbi en el Círculo de Bellas Artes de Montevideo. En 1986 estudió grabado con David Finkbeiner de la Universidad de New York, en el Purchase College. Estudió fabricación de papel artesanal con Laurence Barker (director del Barcelona Papel Horlkshep), en el Museo de Artes Plásticas y Visuales, Montevideo. Fue becado por Luis Camnitzer para estudiar grabado sobre metal en Lucca, Italia.

Hugo Longa

(1934 – 1994)

1934 ~ Nace en Guaviyu de Arapey, seccion de Salto, un 4 de junio.
Este artista comenzó a exponer desde 1966. Su obra refleja un peculiar desenfado imaginativo y cromático. Entre sus series se destacan los collages sobre Auschwitz creados entre 1967 y 1976, el plasmado de objetos, assemblages y collagesdonde explora mundos imaginarios, lo fabuloso y lo mágico, con cuotas de surrealismo y arte Pop. Plasmó lo inverosímil y lo grotesco en pintura y en las técnicas antes mencionadas, mostrando un poderoso sentido del humor, explorando ciertas perspectivas humanas y buceando en las realidades inconscientes. Los cuadros neoexpresionistas creados a partir de los años ochenta son incitantes por la densidad de la materia, las pincelados violentas en múltiples direcciones, las alteradas relaciones de escala, el cromatismo desbordante, los chorreados y manchas vehementes, y la iconografía agresiva.

La trayectoria docente de Hugo Longa fue muy importante; sus numerosos alumnos integran el grupo de artistas jóvenes del Uruguay actual.

Carlos Musso

Capilla ~ Pintura acrílica, pintura al óleo, pintura plástica sobre paneles de cedrillo ~ Incorporación de placas de bronce

Carlos Musso transita por una obra de alta seducción visual, lo que no quita nunca el valor conceptual de sus trabajos. En su trayectoria lo vemos andar senderos donde el erotismo, la sensualidad, la violencia, lo onírico se entroncan con su importante formación teórica, que lo hace rendir culto a la historia del arte. Podemos encontrar su pasión por el arte litúrgico medieval, por el fresco romano/pompeyano, por la secesión vienesa, en particular por la obra de Gustav Klimt. (A su vez, estas etapas de la historia universal tienen más puntos en común de lo que en principio podemos suponer).

Musso plantea su habitación como la narración de la villa dei misteri en Pompeya.

Se trata de un fresco que narra una historia de pasión: una boda, el teatro, los personajes que desde el volcánico pasado nos observan y nos hacen partícipes de su historia personal. Se nos plantea esta idea, pero los personajes y la estética son actuales, internacionales y uruguayos al mismo tiempo.

Mujeres en posturas sensuales, siempre delicadas, inquietan con su sugestiva presencia; el artista al piano —metáfora de todos los artistas— se debate entre la angustia y el placer de la creación.

Los detalles —naturalezas muertas, aves— nos remiten otra vez a la pintura romana de los muros. Elementos en principio pensados como ornamentos, en realidad se cargan de una atrayente polisemia.

Es inteligente el efecto que Carlos Musso obtiene al dejar fragmentos de la madera a la vista, que lentamente se oxidarán y propondrán infinitas coloraturas al observador, al relacionarse con las superficies pintadas. Otro de los elementos destacables en la obra son las zonas de abigarrada pintura de color, contrapuestas a las superficies lisas, grandes planos cromáticos que funcionan como descarga de los exuberantes centros de atención.

Por último es de destacar la presencia de la guarda ornamental. Sus estudios de la geométrica composición que conforma guardas —elementos ornamentales en pisos y zócalos, paredes, arcadas, en el medioevo, en el arte árabe musulmán, etcétera— enriquecen esta explosiva propuesta de uno de los artistas de mayor producción en el panorama del arte uruguayo. Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ Carlos Musso nació en Montevideo, Uruguay, en 1954. Pintor, instalador, gráfico, escenógrafo, ha realizado innumerables muestras de su obra, individual y colectivamente. Docente en prestigiosas instituciones nacionales, obtuvo en 2002 el Premio Figari a la trayectoria.

Ricardo Pascale

Patio Oeste ~ Tramonto ~ Esculturas de madera

Pascale es un escultor con mayúscula. Sus obras tienen un carácter dúctil que hace que funcionen en el exterior o en el interior con naturalidad, sabor, potencia y ternura. No en vano la madera es su material protagonista excluyente.

El sector elegido para la instalación de sus esculturas es el patio oeste, patio que alude al fin del día, a los colores tierra, a la agridulce nostalgia que sobreviene junto con la culminación de la jornada destellante. Sus obras contienen ese concepto: el deleite aportado por las superficies de madera, la coloratura que el artista aprovecha de esta maravilla de material, en que los encuentros del lustre de lo que fue árbol, con el envejecimiento y la historia marcada en las vetas y los intersticios, dan a sus casi monumentales objetos una personalidad única.

En su estatismo escultórico, Pascale juega, sin embargo, con un planteo de elevado dinamismo. Así, el conjunto de tres elementos —que refieren al nacimiento, al crecimiento breve, al proceso de transformación por el que una pieza está a medio nacer o por enterrarse en el suelo— se va abriendo como se abren las alas de las aves al buscar la energía del cosmos, lo que le da al conjunto escultórico una dinámica muy especial.

Pero Pascale no solo es un intuitivo refinado de las formas que las maderas le sugieren, sino que en su creación se adivinan un respaldo geométrico estricto, un conocimiento profundo de las matemáticas, del movimiento secreto, del lenguaje del universo. Todo ello organiza sus formas y su accionar. Pascale conoce las reglas de la estructura universal a la perfección. Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ Ricardo Pascale es Uruguayo. Comenzó a estudiar dibujar y pintar en su niñez. Algunos años más tarde, en su edad adulta, él estudió en el Nelson Ramos Taller. Representó Uruguay en el Bienal de Venecia en 1999. Sus trabajo son exhibidos en varios museos norteamericanos y europeos y forman numerosas colecciones privadas. Algunos de sus trabajo están en la principal entrada del Sede de Naciones Unidas en Nueva York; en el Vestíbulo de la Biblioteca de Alejandría (Egipto); en los jardines de Sanssouci, Potsda, Alemania; en la frente de la Embajada uruguaya, en Washington DC, EEUU, en el Uruguay de Parque de Lima, Perú; en los jardines de Ca’Foscari en Venecia, Italia; en el del histórico de Bastión Carmen en Colonia, Uruguay, entre otros lugares.

José Pelayo

Escultura ~ Madera con inclusiones de metal ~ Pintura al esmalte

La potencia de la madera. En Uruguay la historia del arte ha sido pródiga en los trabajos sobre madera: ebanistas, escultores, talladores de madera. Grandes nombres —Francisco Matto, Germán Cabrera, Joaquín Torres García— han consolidado en muchos casos vínculos con la madera, abordada desde diferentes vertientes. Quisiera remarcar el aspecto lúdico que, en las piezas pensadas para niños, creó nuestro genial maestro, Joaquín Torres García.

En una zona totalmente diferente, José Pelayo trabaja su escultura exterior de madera policroma. Pero algo lúcido hay en ella; es articulada: ejes metálicos, tornillos la interfieren.

El color rojo es el elegido para este patio que refuerza las fuerzas del nacer del día.

Al mismo tiempo se debe destacar el refinamiento de la pesada madera, que aparece casi etérea. Un pie, una madera entera y leve, sostiene uno de los laterales; un triángulo cuelga, juguetón y dominado por las fuerzas del viento y los caprichos de los tiempos.

En la diagonal del patio este, Pelayo nos seduce con una elegantísima pieza escultórica, que de alguna manera se refiere también a su mural interior, pero este se explaya plano sobre la pared: Esta escultura tiene algo de la elegancia de una columna griega, la potencia de un totem pole, lo primitivo de una estructura arquitectónica perecedera, el color de la sangre y de la ritualidad. Pelayo vuelva a provocar un impacto en nosotros y un guiño hacia nuestra propia historia del arte.

Play Room ~ Ensamblaje de madera ~ Materiales mixtos sobre maderas

Este artista ha tomado el material descartado de obras en construcción. No trajo nuevos elementos a lo creado; el entorno objetual de su quehacer ya estaba allí, casi como le ocurre al hombre de campo, quien realiza su arquitectura, sus utensilios, con los elementos que naturalmente lo rodean: maderitas, tablones, varillas viejas, puertas de metal, restos de encofrados…

Todo aquello que habitualmente es dejado de lado es resignificado por Pelayo; le da una renovada proyección, en un mundo compositivo nuevo y sagaz. Grandes planos se intercalan con superficies abigarradas de pequeños tacos de madera, cardúmenes de triángulos arman escondrijos entre las potentes líneas de la madera. El soporte de todo esto es la propia pared de madera. Los tablones horizontales ostentan orden. Rítmicamente ubicados, forman parte de la arquitectura original; Pelayo la respeta y la incorpora.

En su concepción general, una flecha y un arco enormes componen su espectacular mural.

Los colores naturales de la madera —rojo óxido, blancos, negros y un contrastante azul— hacen de su trabajo una inequívoca obra de arte al servicio del disfrute visual, en un espacio para ser vivido.

Su obra funciona como las de los maestros, los artífices contemporáneos incorporados a la arquitectura y, al mismo tiempo, como las de los artífices de las construcciones de madera de los pueblos pre-europeos en distintas regiones de América.

La reutilización de los objetos y materiales de la obra hacen que el valor simbólico de todos los elementos en cuestión esté cargado de historias de trabajo. En primer lugar, el trabajo fue elaborado, no conscientemente, por otro artesano, otro trabajador que dio forma a la materia, sin pensar que luego esa forma pasaría a ser parte de una obra de arte nueva, aún no inventada.

Lo artístico, lo simbólico y lo lúdico son ingredientes fundamentales de la obra de este artista que hace de la madera y de los objetos derivados de la construcción su materia prima para expresar y comunicar sus sentimientos más profundos.

Los materiales utilizados son maderas clavadas, metal, pintura vinílica, chapa acanalada, etcétera. Emplea la técnica del assemblaje. Enrique Badaró ~ 2008

Roberto Píriz

Sala de Juegos ~ Sala de Estar ~ Heaven Bound ~ Montado de Madera

Un andamiaje firme, salido de las raíces geométricas con una estructura potente de verticales y horizontales, crea una pieza ascendente, que se impone. Hay algo de escalera en ella, metáfora de la ascensión, sema del esfuerzo y el placer que da el trabajo. Huecos, nichos, entrantes y salientes otorgan a este escultor refinado la oportunidad de hacernos ver una obra espectacular.

La geometría es regidora; la organizan vagas simbologías básicas: el cuadrado, el círculo, el triángulo. Impera el color de la madera: un monocromático —que da una tonalidad incorporada al espacio del que forma parte— hace de esta obra de Píriz un ejemplo único, en el que la tradición geométrica del arte nacional —la escultura— y el uso de los materiales nobles conforman una de las piezas más impactantes de este conjunto.

La ubicación sobre la estufa de piedra le da un interés particular. Las paredes sostienen; son poderosas e inigualables en color y textura. Contrastan con la pureza de la madera pulida, lustrada. El grupo aparece como un gran altar, con espacios de los que pueden surgir las emociones.

Prevalece la escalera en la obra del talentoso artista, amante del material que manipula. Píriz incorpora, con gran uso de la composición, el emblema de la familia Vik, y lo hace formar parte de su obra. La elaboración estricta, con evocaciones de la legendaria familia, forman parte de este corpus escultórico que corona el lugar del calor, del fuego, del elemento aglutinador de los hombres a lo largo de la historia.

El artista interviene, al mismo tiempo, las puertas del living ~ espacio central ~ con dos franjas verticales, elegantes y refinadas, sobre las cuales también descubrimos el emblema familiar.

Escultura piramidal, como pirámides escalonadas, franjas verticales, el trabajo de la madera evoca al luthier. Esas formas son casi instrumentos musicales cuya sonoridad debe ser descubierta por nuestra propia sensibilidad. Enrique Badaró ~ 2008

Biografía – Roberto Píriz nació en Montevideo, Uruguay, en 1966.

ESTUDIOS Y ACTIVIDADES: Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA). Club de Grabado (Técnicas de grabado). Taller Clever Lara (Dibujo y Pintura). Taller Guillermo Fernández. Beca de estudio en Altzella, Alemania (Fundación Batuz). Es docente en Expresión Plástica (Taller Malvín).

EXPOSICIONES: Fucuroi City Project, Art Front Gallery (Comisario Fram Kitawa, Tokio, Japón). Muestra Colectiva “Sur 4” (Galería Principium, Buenos Aires, Argentina). El lenguaje de la escultura, Montevideo, Uruguay. Uruguay cultural (Foundation for the Arts, Washington DC, EE.UU).

Octavio Podestá

Carlos Seveso

Master Suite Seveso ~ Luna laguna ~ Plafón, acrílico/óleo sobre tela ~ Mural, encáustica sobre madera ~ Pintura octogonal, acrílico/óleo sobre tela ~ Mural cerámico esmaltado ~ Mosaico

Carlos Seveso ha entablado un diálogo sutil y profundo entre la pureza y blancura de su habitación —pensada como una caja blanca en que todo es tenue y prístino— y la potencia incontenible de sus obras. De sólida trayectoria pictórica y conceptual, el artista nos acerca al mundo de las tradiciones clásicas en su tondo, que se asemeja a una rosa de los vientos, donde los puntos cardinales no son solo una metáfora de los diálogos interculturales, sino que están marcados a sangre y fuego: el cáliz, la copa sacramental en la que observamos el continente sudamericano, que puede ser también un racimo de uvas, como la tierra que promete abundancia, el renacer —¿la sangre cristiana que vuelve a nacer?

La representación elegíaca de cerámica sobre la estufa: encuentro ritual, sacramental, de las razas, de los seres distintos, celebrando el punto de reencuentro, el nacimiento de una cultura nueva, mestiza, única; el compartir el cántaro de la vida, que tanto contiene los líquidos sagrados como las llamas que iluminan las nuevas sendas de los viajeros y de los habitantes de estas lejanas tierras del sur.

En el friso realizado con la técnica de encáustica, el creador interpola su propia memoria sensible del paisaje de playa —eternos horizontes, eternos atardeceres de verano—, donde nació y forjó su vida y su arte, con la distante costa de José Ignacio.

El naufragio es una pieza que, cargada de historia, nos conmueve por su coloratura y su ubicación en la zona del baño —templo del cuerpo. Nos habla de nuestras costas seductoras, amables pero también peligrosas, y que toman lo que desean; pero al mismo tiempo nos habla del naufragio o el anclaje en esta tierra amada, que siempre es duro dejar y que a tantos forasteros albergó. Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ Carlos Seveso nació en Montevideo, Uruguay, en 1954. Artista nacional de extensa trayectoria, fundamentalmente en la pintura. Podemos observar en su currículum vitae experiencias en instalación, trabajos grupales, etcétera. Es director de taller, grado 5, en el Instituto Nacional, Escuela de Bellas Artes, de la Universidad de la República.

José Trujillo

(1960 – 2019)

Trujillo Suite ~ Óleo sobre tela ~ Óleo sobre pared

Pintor de la sensualidad de los interiores. Este interior de habitación explota con el placer de ver los cuerpos dialogando. Hombre-mujer/mujer-hombre, primarios desnudos sensuales, de carne tangible, de piel sedosa, de cabelleras exuberantes. Pies, manos, senos, brazos… Trujillo construye una poética de la corporalidad. La pintura al óleo se vuelve carne, la carne se vuelve pintura.

Esos cuerpos nos rodean, nos invitan —desde su silencio erótico— a dejarnos llevar hacia un espacio sin fronteras, habilitando lo onírico, la ensoñación. Estos cuerpos desnudos son historia del arte, nunca obscena, siempre pictórica; casi por momentos resultan arquitectónicos. Construidos por una mano y un ojo rigurosos en la composición y la expresión, generan, en su interacción, un punto alto del diálogo entre los tiempos de la historia del arte: el desnudo en la antigüedad, el desnudo en el clacisismo, el desnudo en la modernidad. Por momentos la vibración es tal que casi podemos sentir que más que cuerpos posando para el artista son cuerpos que danzan, que desde su quietud de amantes o adoradores del sol, son cuerpos vivos que generan una coreografía única, rítmica, con ecos melódicos inaudibles, pero aun así percibidos por el observador sensible.

Las paredes de tela de la habitación remedan un taller de pintor. Espacio icónico, cargado de sabiduría y experiencia. Tal vez una de las obras más importantes de la historia del arte: El taller del pintor, de Courbet, con la mujer desnuda al centro, sea un referente inevitable. El taller del artista connota el espacio donde todo es posible, donde lo no creado vibra, donde lo sin forma late, donde las ideas rozan y generan el susurro de la seda, donde los silencios son estallidos de óperas o melodías de desayunos sobre las hierbas.

Trujillo: un refinado de la pintura de espacios urbanos y de paisajes, es también pintor de la figura humana. Nos trae a este mundo, donde una parte esencial suya, de su historia, será compartida por siempre con el viajero deseoso de ser aceptado en un taller de artista, por sus modelos, por la belleza y el sabor de los cuerpos latiendo y estremeciéndose, estáticos y en silencio… Nos permite compartir con él este espacio para la poesía, para la pasión, para la contemplación del otro y de nosotros mismos.

Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ José Trujillo nació en Montevideo, Uruguay, en 1960. Estudió Dibujo y Pintura con M. Lima. Vive en Punta del Este, Maldonado, Uruguay.

Alejandro Turell

Turell Suite ~ Óleo/acrílico sobre tela ~ Grabado en metal ~ Aguafuerte/punta seca, impreso en papel ~

Ensamblaje de objetos

El creador se ubica en un lugar de narración artística sumamente sofisticado. Por un lado propone una obra personal, con búsquedas meticulosas y mínimas, así como con visiones cosmogónicas y con estudios zoológico-botánico-paleontológicos; por otro, instala una suerte de escenografía con sabores históricos, donde la referencia a sus admirados investigadores, como Linné, Darwin, Humboldt u otros, científicos-protocientíficos y diletantes de siglos pasados, le hace recrear el ambiente de investigación en la paz de un interior lleno de conocimiento y hallazgos estéticos.

Turell tiene siempre presentes los elementos del entorno, de su identidad ecológica, de los animales que con científica dedicación describe en pinturas y grabados de manera muy cuidadosa. Los grabados que encontramos son de una exquisita realización, tal como lo hacían los antiguos dibujantes de los emprendimientos científicos en los siglos xviii y xix, que acompañaban las expediciones para constatar los descubrimientos maravillosos del nuevo mundo. Turell nos hace volver a ver nuestro propio entorno, nuestro medio ambiente, con la visión de un artista joven, intrépido, curioso, de mirada prospectiva.

Los que muestra son animales y plantas autóctonos que, con respaldo taxonómico, se unen a la representación del paisaje total. Así vemos una lechuza de campanario, un armadillo, una perdiz, unos pájaros carpintero de copete rojo, unas aves construyendo-anidando entre finos juncos…, en pinturas que tienen un espacio temporal ambiguo (atardeceres o amaneceres) pero intencionalmente reglado, a modo de estudio arqueológico.

Pero Turell proyecta su pintura también hacia objetos de uso práctico: un delicado biombo conformado por el encuadre de doce pinturas estrictamente cuadradas, con descripción de aves avistadas en el lugar, sobre un fondo neutro, casi extrapoladas de la naturaleza, para ser vistas con los ojos del naturalista que todo lo analiza.

Las vitrinas nos hablan de un artista con valores para la instalación y el trabajo tridimensional. Una vitrina real, “cámara de maravillas”, cargada de objetos/sujetos —encontrados en la estancia y otros que ha venido recolectando-atesorando— llenos de valoraciones objetivas y personales, que nos hacen evocar a los coleccionistas amantes del descubrimiento fortuito o intencional, pero que siempre se manifiesta pleno de entusiasmo al ver el entorno natural desde su mínima expresión.

A su vez, en la instalación que se encuentra en el patio, Turell nos propone, con sus “lanzones” —obras en madera dura de ibirapitá, dispuestas según los puntos cardinales y emplazadas en círculo, creando un vínculo directo entre el plano horizontal y el vertical (macro y microcosmos)—, intentos de reflexionar a la manera del Land-art sobre nuestra ubicación respecto de los grandes paradigmas del ser humano.

Enrique Badaró ~ 2008

Biografía ~ Alejandro Turell nació en Montevideo, Uruguay, en 1975. Artista licenciado en Artes Plásticas y Visuales, ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales. Trabaja en instituciones nacionales como docente. Ha obtenido invitaciones para exponer en el exterior (Buenos Aires, Washington DC, Los Ángeles, Frankfurt am Main), y para preparar, junto con docentes extranjeros, proyectos, clases y talleres. En 2001 obtiene el Segundo Premio del Salón Nacional y el Primer Premio en 2002. Ha sido premiado en dos oportunidades (2004 y 2006) con el Premio Paul Cézanne (Embajada de Francia).

Jorge Páez Vilaró

Perteneciente a una de las más antiguas familias del país, creció y se educó en un ambiente generoso en cultura. Completó sus estudios en Lasalle University, especializándose en Contabilidad Industrial lo cual le aseguro una primera etapa de labor en importantes industrias del Uruguay. Concurre a los talleres de varios maestros: Guillermo Rodríguez, Enzo Kabregu, Vicente Martín, Lino Dinetto en los que afirmó sus condiciones para la práctica de las artes plásticas. Desde 1948, apenas terminada la segunda guerra se instaló en Inglaterra, vinculándose a las más destacadas figuras de las artes locales. A partir de esa instancia, realizó múltiples viajes por Europa. En 1957 organizó y llevó al museo de Arte Municipal de Ámsterdam una importante muestra de arte uruguayo, incluyendo a Torres García, que giró luego por varias ciudades, teniéndolo como principal animador y locutores vincula al mundo de la museología. Buenos Aires 1961- que expuso por primera vez, en la Galería Pizarro, con gran aceptación fundamentalmente de los más jóvenes. Fué uno de los pioneros del movimiento informalista en América Latina y poseedor de una de las colecciones privadas más importantes del país, la cuál incluye obras de Picasso, Mondrian, Miró y Rodin, entre otros grandes maestros de las artes. Participo en las bases de la Bienal de San Pablo, concurriendo a todas sus ediciones como crítico, pintor, comisario y también como miembro del Jurado de Premiación Internacional. En los 70 impulsa el Dibujazo, expandiendo la idea entre los artistas a transitar por el dibujo como medio expresivo en sí mismo. En los mismos años inaugura el MAMM – Museo de Arte Moderno de Maldonado-donde se pudieron observar objetos precolombinos, coloniales y de arte contemporáneo. Desde el escenario del Museo de Arte Americano de Maldonado, Jorge Páez Vilaró organizó muestras internacionales, certámenes nacionales, exposiciones de homenaje, panorámicas, semanas de cultura, conciertos, teatro, ballet, conferencias, encuentros, festivales, eventos que se continúan realizando en la actualidad, bajo la dirección de su hijo. Sus telas y dibujos se hayan en importantes museos del Uruguay y resto del mundo, así como en infinidad de colecciones particulares.

Rodrigo Zorrilla de San Martin

Biografía ~ Nace en Montevideo el 12 de Abril 1972, desde niño asiste a talleres de libre expresión uno de ellos con Gustavo “Pollo” Vazquez.

Su formación siguió asi:
1990 a 1991 Taller de pintura con el artista plastico Luis Arias (Taller Villa Lola)
1994 a 1995 Taller pintura Edgardo Ribeiro Nario (H)
1995 a 1996 Continua estudios con Edgardo Ribeiro (P)
1995 a 1996 Taller de Escultura de Estella Mattos
1996 Expone en “1ª Exposición Plastica Jesús Maria” Curadores Ignacio de Iturria, Gustavo Vazquez, Mario Lorieto

1996 Expone en “Exposición Taller Estela Matos”
1996 a 1997 Taller de Escultura Marivi Ugolino
1997 Expone “XVI Salon Leonistico de artes plasticas de la juventud” Club de Leones

1997 a 1998 Taller de Pintura Walter Nadal

1999 a 2000 Estudio Fotografia Foto Club Uruguayo)
2000 a 2004 Pinta en su propio atelier
2005 a 2006 Atelier en Fac (Fundacion de Arte Contemporaneo) con Fernando Lopez Lage
2007 Pinta en su propio atelier en Carrasco
2008 Inaugura nuevo Atelier en pocitos
2009 Enero Expone Serie “Retratos” en Punta del Este (Fundacion Pablo Achtugarry)
2009 Mayo Expone “Espacio Cultural San Jose”
2009 Septiembre – Octubre Expone Galeria J. E. Gomensoro Arenales 960(Buenos Aires – Argentina) 2009 Noviembre Expone Rigency Club – Los Angeles – California
2010 Marzo realiza y dona una obra sobre la sexta estación del vía crucis para la Iglesia “San José de la Montaña” Montevideo 2010 Abril Expone Serie “Escritores de America” en el Museo Zorrilla–Punta Carretas Montevideo – Uruguay