Bahia Vik - Artistas

Pablo Atchugarry

Sala de estar ~ Luz do sul ~ Escultura em mármore branco de Carrara

A pedra é o material mais associado ao início da civilização humana. Por alguma razão os dois grandes primeiros períodos pré-históricos a incluem em sua denominação: paleolítico e neolítico. São dois conceitos que excedem amplamente a pedra, já que implicam em formas de vida, de alimentação, de economia, de religiosidade, de arte. ‘Paleolítico’, a “idade antiga da pedra” e ‘neolítico’, a “nova idade da pedra” são as duas definições que marcam uma das tantas diferenças entre essas duas extensas épocas: passa-se da pedra esculpida (a textura icônica do paleolítico) à pedra polida (a textura icônica do neolítico). Ambas as caracterizações nos ajudam a nos aproximarmos da obra deste magnífico escultor. Atchugarry penetra nas profundezas da civilização, trabalha o primeiro material que o homem encontrou e com o qual se denominam as suas primeiras experiências civilizadoras. O paleolítico — a pedra esculpida — evocaria uma primeira etapa, erroneamente mais primitiva, mas a qual devemos incluir, sem dúvida, no campo das artes, como uma fase de cuidadoso realismo, de alto conteúdo descritivo. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 23 de agosto de 1954. Sua primeira exposição individual ocorreu no Salão Cívico de Montevidéu em 1972. Dois anos depois, sua primeira exposição internacional foi contida em Buenos Aires. Em fins dos anos setenta, ele tinha completado as viagens de estudo na França, na Espanha e, por último, na Itália, onde realizou a sua primeira exposição individual em Lecco, em 1978. Nos anos seguintes, ele se fascinou com o mármore e produziu sua primeira escultura de Carrara, “A Lumière”. Para o seu primeiro cometimento de uma escultura grande, “A Pietà”, em 1982, ele se estabeleceu em Lecco. Em janeiro de 2007 a Base de Pablo Atchugarry e a sua Oficina foram inauguradas em Manantiales, Uruguai.

Alvaro Amengal

Amengual Suíte ~ As horas ~ Óleo sobre Madeira ~ Baixo-relevo de ceramic

Amengual realiza três grandes núcleos pictóricos neste cômodo, onde gera uma visão que vai da proximidade curiosa, necessária para observar as aves, aos primeiros planos de flores locais, realizados com uma delicada e ao mesmo tempo expressiva técnica, na qual a matéria da pintura adquire sua própria personalidade.

Um segundo grupo pictórico é um cuidado friso em que a paisagem do cômodo está representada magistralmente e na qual se observam as transformações da luz, desde o amanhecer até a noite. Tudo vai adquirindo uma transformação quase que teatral: os rubores da alvorada dão passagem à exultação da luz do meio-dia, e o entardecer e a noite nos transmitem esse lento declínio às horas do repouso e o mistério. O terceiro elemento é um grande céu, talvez o protagonista da paisagem do campo uruguaio – ao curioso não faltarão, para tal efeito, exemplos na história da arte nacional. Amengual, com um manejo firme e sensual da matéria, comunica estes sentimentos com grandeza e com a minuciosidade do explorador de terras ignotas. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Álvaro Amengual nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1957. Tem uma longa trajetória artística, desenvolvendo atividade docente em seu próprio ateliê e em instituições de prestígio nacional. Obteve o Prêmio à trajetória outorgado pela B’nai B’rit em 2007.

Enrique Badaró

Carlos Barea

Barea Suíte ~ A paisagem da ideia ~ Pintura acrílica e técnicas gráficas sobre telas ~ Pintura acrílica e técnicas gráficas sobre Madeira (cedrinho)

O artista compõe suas obras no cômodo, gerando um diálogo entre pinturas sobre telas, como se se tratasse de quadros tradicionais. Mas a localização das obras forma uma instalação particular e atraente, a parede intervindo como um grande mural.

Uma iconografia pessoal — com alusões à música, ao minimalismo ou a símbolos pré-colombianos ou rúnicos — interage com uma iconografia extraída da paisagem local, o emblemático monograma da família VIK, seres mitológicos, cavalos que povoam a história e as fábulas de muitas culturas mas também pertencem à fauna que identifica a pradaria uruguaia.

De outro lado, uma pintura sobre madeira que toma a forma da arquitetura expõe uma outra proposta diferente. Barea se inspira na mágica paisagem do campo ao norte da costa de José Ignácio, gerando uma visão quase que cinematográfica, em que um primeiro plano de vegetação baixa, grama, fibras, palhas, com um tratamento quase oriental, em paleta alta e cálida, cobre a maior parte da obra, enquanto que na parte superior o jogo de cores frias identifica a água — rio, lagoa — e depois o céu. As cores intensas dão presença vibrante à criação de Barea na área do cômodo em que se percebem o nascimento do dia e o espetáculo do despertar da natureza. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Carlos Barea nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1954. De extensa e potente carreira artística pessoal, realizou inumeráveis exposições individuais e coletivas. Trabalhou como desenhista e possui longa experiência no ensino da arte em prestigiosas instituições nacionais. Em 1991, expõe a série Romanos, no IMF Atrium, Washington DC, e em 1997 obtém a Bolsa de Estudo Intercampus, Procedimentos Pictóricos, da Universidade de Barcelona.

Marcelo Betancourt

Gloria Boxer

Eduardo Cardozo

Cardozo Suite ~ Horizonte incerto ~ Técnicas pictóricas mistas ~ Grafias sobre parede ~ Montagem de objetos

A tela são as paredes. Há um caminho para o passado remoto. Nossos antepassados, nas trevas do tempo, utilizaram as superfícies rígidas das rochas e os muros naturais para pintar, graficar, esboçar baixos-relevos, intenções escultóricas, grafias cheias de mistérios, alusões, ora realistas, ora abstratas. A pedra, a superfície rígida, rege a estética deste passado cativante. Eduardo Cardozo nos propõe uma viagem neste sentido. Sua obra prescinde da tela; as paredes são o suporte e a própria obra. Diferentes camadas de nível, em que o material engorda e torna a afundar, albergam as superfícies do estuque, o gesso e, finalmente, as sugestivas e sedutoras camadas de tinta, de cor, e a colagem com fragmentos de mosaicos.

Tudo inundado de uma coloração natural. O ocre suave, característico de Cardozo, nos fala do seu estilo. Os marcos de madeira, de seção circular ou de seção quadrada, brotam das paredes como gritos do passado. Os materiais se roçam entre si, atritam-se, gerando os dramas da natureza, o telúrico. Um marco de pedra, formoso como tudo que é velho, com seus liquens colados, nos permite apreciar a refinada visão de um criador particular.

Os tons e semitons da pedra cinza, com os verdes cinzentos, nos remetem aos conceitos orientais de beleza que se encontram no princípio do rojaku, aquele sentimento agridoce da quieta beleza que recebemos ao encontrar vida numa flor, num vegetal, num líquen, a partir de um corpo ou de uma superfície morta, sem vida. O artista se concentra num tronco sem vida ou, neste caso, numa pedra. Mas esta pedra, por sua vez, nos faz vibrar e nos retrotraz à atividade humana. O marco de pedra servia para demarcar terrenos, para delimitar com a cercados de arame as terras; hoje em dia nos parece antigo.

Em outro momento foi talvez a novidade suscitada pelos formosos muros de pedra acumulada que forjavam as fronteiras líticas das comarcas rurais. Estar na habitação trabalhada por Eduardo Cardozo é estar dentro de uma de suas obras. O bidimensional se transforma num espaço habitável, pleno de palimpsestos sem letras ou sinais, mas nos quais as formas e os materiais superpostos nos ajudam a intuir a alma de um artista que desenvolveu sua linguagem na cidade, mas cuja infância esteve habitada pelo imperecível horizonte do campo. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Eduardo Cardozo nasceu em Montevidéu, em 1965. Formou-se na Escola Nacional de Belas artes (ateliê Ernesto Aroztegui). Cursou quatro anos na Faculdade de Arquitetura. Estudou gravado com Luis Camnitzer. realizou exposições individuais na Galeria do Notariado, no Centro de Exposições da Prefeiura Municipal do Montevidéu, na Aliança Francesa, no Museu Blanes, na Aliança Uruguai-estados Unidos, no Espaço Engelman-Ost, na Estação Central (AFE), no Subte (Metrô) de Montevidéu, na Galeria Marte, na Galeria Sur, no Goethe-Institut. Prêmios: Quarta Amostra de Plásticos Jovens (1989), Viagem de estudo (1989), Premio Paul Cézanne (1991), 51 Salão Nacional 2004. Trabalhou, junto com Tato Peirano, no Sítio de Montevidéu: Projeto Urbano Salão Municipal 1994. Interveio na Primeira Bienal do Mercosul e na Bienal de Cuenca (2001). Ganhou, junto com Matías Bervejillo, o primeiro prêmio no Festival de Curtos de La Pedreira, 2004.

Marcelo Daglio

Desde a sua formatura até esta data, Marcelo Daglio desenvolveu suas obras e ideias de maneira profissional e independente, tendo instalando seu estúdio desde o início na cidade de Montevidéu. Desenvolveu multiplicidade de programas arquitetônicos: lojas comerciais, hotelaria, gastronomia, prédios de escritórios e moradias. Suas obras foram publicadas em numerosas revistas locais e internacionais. Mas onde sua personalidade arquitetônica se destacou com maior ênfase foi no desenvolvimento de Residências Privadas.

Obteve a maioria das suas obras por encomenda direta ou por meio de concursos particulares, concorrendo com os estúdios mais qualificados da região. É assim que a maioria das suas obras foi realizada no Uruguai, destacando-se em particular as realizadas em Punta del Este e Montevidéu. A personalidade e a estampagem da sua arquitetura permitiram ao Arq. Marcelo Daglio realizar inumeráveis projetos e obras no exterior, realizando grande quantidade de projetos residenciais na República Argentina e na cidade de Assunção, República do Paraguai.

No ano de 2001 tem a possibilidade de desenvolver uma série de projetos de residências suntuosas em Windemere, Eleuthera, nas Bahamas, podendo realizar dois dos seus projetos no ano de 2002. Em 2002 também é convidado a realizar a remodelagem de um luxuoso apartamento em Manhattan, na cidade de Nova Iorque, cujas obras são concluídas em 2004. No ano de 2004 apresenta um projeto de remodelamento de um hotel no centro histórico da cidade do Maranello, na Itália, o qual é aprovado pela prefeitura e atualmente espera começar a construção.

Biografia ~ Lugar e data de nascimento: 18 de maio de 1957, Montevidéu, Uruguai Experiência acadêmica: Formado como Arquiteto e Urbanista na faculdade de Arquitetura da República Oriental do Uruguai em 26 de novembro de 1988.

Agueda Di Cancro

Jardim Sul ~ Horizonte ~ Técnicas sobre vidro ~ Esmaltado em vidro

Com seus vidros, Águeda nos transporta a um mundo próximo da água: o das transparências que liquidificam o espaço. A sua obra está localizada no pátio sul: a zona da piscina que metaforicamente se abre ou remete ao oceano, ao mar, à lagoa, ao riacho, ao frescor do ar que nos chega do sul e — por que não? — desde milhares de quilômetros, em linha reta, proveniente de uma Antártica onírica.

Com sua delicadeza feminina, Águeda nos oferece uma espécie sorte de re-natação mural, parte suave da arquitetura que acompanha o horizonte poderoso desta paisagem cheia de céu, de aves, de ar livre. Raiz e asa são os elementos principais da obra de Águeda. O vidro voa, fala de leveza, de fragilidade, de formosura alada. A inserção arquitetônica nos fala de raiz, de material preso ao solo, à terra.

Águeda incorpora, em seus vidros azuis, texturas sutis, nos arames enjoiados, tecidos com a mestria e o engaste de um joalheiro. Borbulhas de ar geram diáfanos mundos pequenos onde tudo se pode encontrar numa sorte de aleph que nos permite entender a totalidade do universo num ponto único e solitário. Em conjunto, esses mundos formam uma ensambladura intensamente particular.

De outro lado, o manejo do esmalte como mancha — a técnica do tachisme — explode com força incontível. Os azuis jorram livremente, difundem-se, dominam a transparência do vidro, regem a coloração. Águeda incorpora o laranja em toques quentes da pintura, que é quase aquarela. Toda a sua obra são formosas grafias transparentes na parede. Os pequenos fragmentos de vidro são como o estrondo das ondas contra as rochas do oceano. A localização do seus vidros é como um abraço no pátio sul; acompanham os muros laterais em sua escrita horizontal e líquida, como as mãos estendidas oferecendo calma e uma inalação do intenso ar do leste uruguaio. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Agueda di Cancro nasceu em Montevidéu, Uruguai. Após receber uma bolsa de estudos no México, ela se dedicou à escultura em vidro. Realizou exposição individual na Escola Nacional de Artes Plásticas, México, em 1965. Art Friends, Montevidéu, 1970, 1971; Galeria do Corpo de Notários, 1972; Aliança Francesa, 1976; Karen Gugelmeier, 1982; Museu de Arte Contemporânea, 1983, 1989; Aliança Cultural Uruguai-Estados Unidos, 1986, 1995; Centro de Arte e Comunicação, Buenos Aires, 1988; Metrô Municipal, 1989; Museu de Arte de Maldonado, 1992; Instituto Ítalo-Latino-americano, Roma, 1994; Museu Torres García, 1995; Fundação Buquebús, 1998.

Lacy Duarte

Clever Lara

Sala de Estar ~ Véus ~ Óleo sobre tela

Paisagem especular. Vemos no teto o que estamos vendo desde o céu. De fato, a primeira experiência deste artista sobre esta terra foi a sua percepção do ar, ao sobrevoar os magníficos campos que rodeiam a lagoa de José Ignácio e se estendem mais à frente…

Lara realiza então o processo de criação e recriação destes dados visuais e sensíveis do que sua terra e sua costa significam. Começa um processo de incorporação de elementos estranhos à paisagem, que marcam os lugares de importância com sutil precaução: jóias simples, bolinhas de gude, caracóis, aviõezinhos de papel, nuvens de algodão.

Outros dois sistemas interagem sobre este mapa invertido. Um véu sutil, amarrado nas pontas, gera um centro de atenção radial, enorme. Lara brinca com as evocações das cordas náuticas de atar: a ligação com a terra, com sua terra, com o mar e com o céu.

A tensão entre os elementos e a descrição da costa uruguaia comunicam uma vibração única. Por outro lado, cromaticamente, Lara mergulha no mundo das cores regedoras de quase todo o centro da estância Vik. Com harmonia paulatina e tênue vai passando de uma coloração para a outra: é assim que encontramos que a zona sul é azulada e reflete o frescor do oceano, a lagoa e o riacho; a presença da água nesta zona: os vermelhos quentes, assinalam o despertar energético do dia, o amanhecer, com o encanto das propostas novas da jornada que começa. Os marrons e cinzas marcam o oeste, o final do dia, quando a calma começa a cobrir tudo. Para o norte, os verdes nos falam das pradarias que se estendem infinitas, com evocações continentais.

Lara constrói, do mesmo modo, dois grandes frisos laterais, não já como a paisagem vista do ar, mas como caixas ou nichos nos quais descobrimos nossos reconhecíveis ícones costeiros — faróis, praias, rochas, cidades, povos, enfim… . Como friso jônico que rodeia o interior dos templos gregos, este mestre da arte uruguaia nos enfrenta ao gozo de ver/perceber uma terra e uma paisagem únicas: o apaixonante mundo da costa uruguaia.

O óleo sobre tela foi a sua opção técnica, sem modificar, em termos clássicos, o prazer da pintura em sua verdadeira magnitude. A composição segura e firme nos dá esta monumental presença pictórica, que exalta nossa estada no espaço central do complexo estância Vik.

Biografia ~ Clever Lara nasceu em Rivera, em 26 de novembro de 1952. Entre 1966 e 1972, inclusive, estudou no ateliê de Edgardo Ribeiro. Em 1984, em usufruto da Bolsa de estudo Guggenheim, estudou gravado em metais no Pratt Graphics Center de Nova Iorque e com Luis Camnitzer em Valdottavo, Lucca, Itália.

Marcelo Legrand

Churrasco ~ Pinturas poliméricas em metal, pincel e rolo

Master Suite Legrand ~ Collage sobre papel ~ Papéis tratados com pinturas e tintas ~ Inclusão de madeira em pedra

Marcelo Legrand descobre e explora um mundo pessoal. O observador fica imerso numa estética com algo de oriental. O papel translúcido, de caráter frágil, é potencializador e é potencializado ao mesmo tempo por seus opostos complementares (ângulos, linhas retas em materiais primários, irradiadores de energia elementar pura). Tudo está em sua justa medida. O ocorrente se transforma em preciso, através de uma cadeia de reações que o autor provoca.

Legrand se utiliza de vários elementos extremamente atraentes, geradores de zonas visuais diferentes. Desperta interrogantes. O elemento surpresa é apenas uma reiteração para inundar o espectador, o hóspede da vez, naturalmente, com a atmosfera desta instalação-habitação. A luz ambiente se esparrama pelas paredes interagindo com os corpos luminosos, obtendo climas diferentes entre o dia e a noite.

Ao aproximar-se em planta a uma diagonal, como intervenção-instalação vertical, um elemento com papéis de arte translúcida é a imponente moldura de fundo da cama. No centro aproximado da habitação, no ar pende um artefato luminoso de arquitetura desconstrutiva, feito de metal e papel. Uma frente de lareira poderosa, implacavelmente escultórica, de pedra e madeiras, arremata esta primeira diagonal da habitação.

Tudo isto interage, com sutileza refinada, com planos de papéis verticais, etéreos, nos quais as grafias geométricas são apenas marcadas com cor, e assim o observador se introduz numa trama branca sobre o translúcido natural do papel, ou na outra, em que o preto se comporta como a proposta complementar.

A escultura de caixas é um achado estético de elevadíssimo valor artístico; é trabalhado com metáforas relativas às acumulações classificatórias do armazenamento, do enciclopedismo. Poderiam fazer lembrar uma biblioteca de obras visuais, uma compilação geométrica de abajures, de retângulos, de prismas. Junto com o lustre principal, brinca-se com a transparência. A luz atravessa as superfícies. Há uma alusão ao vitral, à interação dos vidros de cores, sem, é claro, sê-lo, pois a base da obra é o papel. A cor se transparenta, já que está posta de um lado e do outro do papel, gerando tons médios e plenos. Estes são atravessados por luzes tênues. Há um diálogo entre o refinamento, a sutileza e a força escultórica poderosa. Tudo reverbera em uníssono.

Legrand obtém um espaço de poesia visual. Dá origem a uma atmosfera apresentada para a relaxação e a contemplação. É um buscador claro e nítido do conjunto artístico, para um espaço especial, num lugar muito especial. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Marcelo Legrand nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1961. Entre 1977 e 1982 estudou com Héctor Sgarbi no Círculo de Belas Artes de Montevidéu. Em 1986 estudou gravado com David Finkbeiner da Universidade de Nova Iorque, no Purchase College. Estudou fabricação de papel artesanal com Laurence Barker (diretor do Barcelona Papel Workshop), no Museu de Artes Plásticas e Visuais, Montevidéu. Recebeu uma bolsa de estudo de Luis Camnitzer para estudar gravado sobre metal em Lucca, Itália.

Hugo Longa

(1934 – 1994)

1934: nasceu 4 de Junio em Guaviyú de Arapey, departamento de Salto.
O artista começou a exibir desde 1966. Seu trabalho reflete uma cor peculiar imaginativa e despreocupada. Entre seus destaques da série das colagens Auschwitz criados entre 1967 e 1976, que se reflecte objetos, assemblages e colagens que explorar mundos imaginários, a magia fabuloso e, com quotas de Surrealismo e Arte Pop. Ele encarnou o improvável e grotesco na pintura e as técnicas acima mencionadas, mostrando um forte senso de humor, explorando certas perspectivas humanas e de mergulhar na realidade inconscientes. As pinturas neo-expressionista criados a partir dos anos oitenta estão convidando a densidade da matéria, pincelados violentos em várias direções, relações de escala alteradas, o cromatismo esmagadora, as manchas Blasted e veementes, e iconografia agressivo.

A carreira de professor de Hugo Longa foi muito importante; seus muitos alunos do grupo de jovens artistas da atual Uruguai.

Carlos Musso

Chapel ~ Tinta acrílica, tinta ao oleo, tinta plastic, sobre painéis de cedrinho, incorporação de placas de bronze

Carlos Musso transita por uma obra de alta sedução visual, o que não diminui nunca o valor conceitual dos seus trabalhos. Em sua trajetória o vemos percorrer atalhos onde o erotismo, a sensualidade, a violência, o onírico se enlaçam com sua importante formação teórica, que o faz render culto à história da arte. Podemos encontrar sua paixão pela arte litúrgica medieval, pelo afresco romano/pompeiano, pela secessão vienense, particularmente pela obra de Gustav Klimt. (Por sua vez, estas etapas da história universal têm mais pontos em comum do que a princípio podemos supor).

Musso Suite ~ Felisberto ~ Pintura acrílica, pintura a óleo, pintura plástica em painéis de “cedrillo”

Musso traça seu cômodo como a narração da vila dei misteri em Pompéia. Trata-se de um afresco que narra uma história de paixão: umas bodas, o teatro, as personagens que desde o vulcânico passado nos observam e nos tornam partícipes da sua história pessoal. Ele nos expõe esta ideia, mas as personagens e a estética são atuais, internacionais e uruguaios ao mesmo tempo.

Mulheres em poses sensuais, sempre delicadas, inquietam com sua sugestiva presença; o artista ao piano — metáfora de todos os artistas — se debate entre a angústia e o prazer da criação. Os detalhes — naturezas mortas, aves — nos remetem outra vez à pintura romana dos muros. Elementos em princípio pensados como ornamentos, na verdade se carregam de uma polissemia atraente.

É inteligente o efeito que Carlos Musso obtém ao deixar à vista fragmentos da madeira, que lentamente se oxidarão e proporão ao observador infindas colorações, ao se relacionarem com as superfícies pintadas. Outro dos elementos destacáveis na obra são as zonas de acúmulo de tinta colorida, contrapostas às superfícies lisas, grandes planos cromáticos que funcionam como descarga dos exuberantes centros de atenção.

Por último, cabe destacar a presença da guarda ornamental. Seus estudos da geométrica composição que conforma “guardas” — elementos ornamentais nos soalhos e rodapés, paredes, arcadas, na idade Média, na arte árabe muçulmana, etcétera — enriquecem esta explosiva proposta de um dos artistas de maior produção no panorama da arte uruguaia. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Carlos Musso nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1954. Pintor, instalador, gráfico, cenógrafo, realizou inumeráveis mostras de sua obra, individual e coletivamente. Docente em prestigiosas instituições nacionais, obteve em 2002 o Prêmio Figari à trajetória.

Ricardo Pascale

Pátio Oeste ~ Tramonto ~ Esculturas de Madeira

Pascale é um escultor com maiúscula. Suas obras têm um caráter dúctil que faz que funcionem no exterior ou no interior com naturalidade, sabor, potência e ternura. Não em vão a madeira é seu material protagonista excludente.

O setor escolhido para a instalação de suas esculturas é o pátio oeste, pátio que faz alusão ao fim do dia, às cores terra, a agridoce nostalgia que sobrevém junto com a culminação da jornada cintilante. Suas obras contêm esse conceito: o deleite com que contribuem as superfícies de madeira, a coloração que o artista aproveita desta maravilha de material, em que os encontros do brilho do que foi árvore com o envelhecimento e a história marcada nas nervuras e os interstícios dão aos seus quase monumentais objetos uma personalidade única.

Em seu estatismo escultórico, Pascale põe em jogo, entretanto, um projeto de elevado dinamismo. Assim, o conjunto de três elementos — que referem ao nascimento, ao crescimento breve, ao processo de transformação pelo qual uma peça está a meio nascer ou para enterrar-se no solo — vai-se abrindo como se abrem as asas das aves à procura da energia do cosmos, o que outorga ao conjunto escultórico uma dinâmica muito especial.

Mas Pascale não é somente um intuitivo refinado das formas que as madeiras lhe sugerem, mas em sua criação se adivinham um respaldo geométrico estrito, um conhecimento profundo da matemática, do movimento secreto, da linguagem do universo. Tudo isso organiza suas formas e seu acionar. Pascale conhece à perfeição as regras da estrutura universal.

Galileu disse: A matemática é a linguagem com que Deus escreveu as leis do universo, e nosso artista é um cultor/escultor desta profunda máxima que vibra em nosso espírito. Percebemos que a ordem geral se solidifica perante nós com a força do objeto real. As leis escritas por Deus se tornam visíveis e tangíveis para nossos sentidos, provocando um conjunto sinestésico único e intransferível.

As formas curvas contribuem com sensualidade e opulência dentro do comportamento coreográfico, da exatidão de uma espiral logarítmica, ou de um modulado processo de crescimento, regido pelo olhar de um Fibonacci ou pelas pautas eternas da regra de ouro, que tudo comensura, em apaixonada busca da perfeição estética. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Ricardo Pascale é uruguaio. Começou a estudar, desenhar e pintar em sua infância. Alguns anos mais tarde, em sua idade adulta, estudou no Ateliê Nelson Ramos. Representou o Uruguai na Bienal de Veneza em 1999. Seus trabalhos são exibidos em vários museus norte-americanos e europeus e formam numerosas coleções privadas. Algumas das suas obras estão na entrada principal da Sede das Nações Unidas em Nova Iorque; no Vestíbulo da Biblioteca de Alexandria (Egito); nos jardins do Sanssouci, Potsdam, Alemanha; na frente da Embaixada uruguaia em Washington DC, EUA; no Uruguai de Parque de Lima, Peru; nos jardins da CA ’Foscari em Veneza, Itália; no do histórico do Bastião do Carmo em Colônia, Uruguai, dentre outros lugares.

José Pelayo

Pátio Leste ~ Escultura ~ Madeira com inclusões de metal ~ Tinta ao esmalte

A potência da Madeira. No Uruguai a história da arte foi pródiga nos trabalhos sobre madeira: marceneiros, escultores, entalhadores de madeira. Grandes nomes — Francisco Matto, Germán Pastora de cabras, Joaquín Torres García — consolidaram em muitos casos vínculos com a madeira, abordada desde diferentes vertentes.

Gostaria de remarcar o aspecto lúdico que, nas peças pensadas para crianças, criou o nosso genial mestre, Joaquín Torres García. Numa zona totalmente diferente, José Pelayo trabalha sua escultura exterior de madeira policroma. Mas há algo de lúcido nela; é articulada: eixos metálicos, parafusos a interferem.

A cor vermelha é a escolhida para este pátio que reforça as forças do nascer do dia. Ao mesmo tempo se deve destacar o refinamento da madeira pesada, que aparece quase etérea. Um pé, uma madeira inteira e leve, sustenta um dos laterais; um triângulo pende, brincalhão e dominado pelas forças do vento e os caprichos dos tempos.

Na diagonal do pátio, Pelayo nos seduz com uma muito elegante peça escultórica, que de alguma maneira se refere também ao seu mural interior, mas este se espraia plano sobre a parede: Esta escultura tem algo da elegância de uma coluna grega, da potência de um totem pole, do primitivo de uma estrutura arquitetônica perecível; a cor do sangue e do ritualismo. Pelayo torna a provocar um impacto em nós e um piscar de olhos à nossa própria história da arte.

Sala de jogos ~ Ensambladura de madeira ~ Materiais mistos sobre madeiras

Este artista colheu o material descartado de obras em construção. Não trouxe novos elementos ao criado; o entorno objetual do seu afazer já estava ali, quase como acontece com o homem de campo, que realiza sua arquitetura, seus utensílios, com os elementos que naturalmente o rodeiam: madeirinhas, tabuões, varinhas velhas, portas de metal, restos de armações de sustentação…

Tudo aquilo que habitualmente é deixado de lado é ressignificado por Pelayo; dá a tudo uma renovada projeção, num mundo compositivo novo e sagaz. Grandes planos se intercalam com superfícies matizadas por pequenos tacos de madeira; cardumes de triângulos armam esconderijos entre as potentes linhas da madeira. O suporte de tudo isto é a própria parede de madeira. Os tabuões horizontais ostentam ordem. Ritmicamente localizados, formam parte da arquitetura original; Pelayo a respeita e incorpora.

Em sua concepção geral, uma flecha e um arco enormes compõem seu mural espetacular. As cores naturais da madeira — vermelho óxido, brancos, pretos e um azul de grande contraste — fazem do seu trabalho uma inequívoca obra de arte ao serviço do desfrute visual, num espaço para ser vivido.

Sua obra funciona como as dos mestres, os artífices contemporâneos incorporados à arquitetura e, ao mesmo tempo, como as dos artífices das construções de madeira dos povos pré-europeus em diferentes regiões da América.

A reutilização dos objetos e materiais da obra fazem com que o valor simbólico de todos os elementos em questão esteja carregado de histórias de trabalho. Em primeiro lugar: o trabalho foi elaborado, não conscientemente, por outro artesão, outro trabalhador que deu forma à matéria, sem pensar que depois essa forma passaria a ser parte de uma obra de arte nova, ainda não inventada.

O artístico, o simbólico e o lúdico são ingredientes fundamentais da obra deste artista, que faz da madeira e dos objetos derivados da construção sua matéria prima para expressar e comunicar seus sentimentos mais profundos. Os materiais utilizados são madeiras pregadas, metal, pintura vinílica, chapa ondulada, etcétera. Emprega a técnica do assemblage. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ José Pelayo nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 17 de outubro de 1956. Estudou com grandes professores como Rimer Cardillo, Clever Lara, Freddie Faux e David Finkbeiner. Desde 1979, já realizou exposições individuais e coletivas no Uruguai, Argentina, Paraguai, Peru, Estados Unidos e Coréia do Sul e recebeu diversos prêmios, bolsas e bolsas. Suas obras estão presentes em coleções particulares e museus, bem como publicadas em livros e periódicos. Desde 1990, ele dirige sua própria oficina privada dedicada ao desenvolvimento da arte.

Roberto Píriz

Sala de Jogos ~ Sala de Estar ~ Heaven Bound ~ Montagem de Madeira

Uma andaimada firme, saída das raízes geométricas com uma estrutura potente de verticais e horizontais, cria uma peça ascendente, que se impõe. Há um pouco de escada nela, metáfora da ascensão, soma do esforço e o prazer que dá o trabalho. Ocos, nichos, entrantes e salientes outorgam a este escultor refinado a oportunidade de nos fazer ver uma obra espetacular.

A geometria rege; organizam-na vagas simbologias básicas: o quadrado, o círculo, o triângulo. Impera a cor da madeira: um monocromático — que dá uma tonalidade incorporada ao espaço de que forma parte — faz desta obra de Píriz um exemplo único, em que a tradição geométrica da arte nacional — a escultura — e o uso dos materiais nobres formam uma das peças mais impactantes deste conjunto.

A localização sobre a lareira de pedra outorga-lhe um interesse particular. As paredes sustentam; são poderosas e inigualáveis em cor e textura. Contrastam com a pureza da madeira polida, lustrada. O grupo aparece como um grande altar, com espaços dos quais podem surgir as emoções.

Prevalece a escada na obra do talentoso artista, amante do material que manipula. Píriz incorpora, com grande uso da composição, o emblema da família Vik, e o faz formar parte de sua obra. A elaboração estrita, com evocações à legendária família, formam parte deste corpus escultórico que coroa o lugar do calor, do fogo, do elemento aglutinador dos homens ao longo da história.

O artista intervém, ao mesmo tempo, as portas da sala – espaço central – com duas franjas verticais, elegantes e refinadas, sobre as quais também descobrimos o emblema familiar. Escultura piramidal, como pirâmides escalonadas, franjas verticais, o trabalho da madeira evoca o luthier. Essas formas são quase instrumentos musicais cuja sonoridade deve ser descoberta pela nossa própria sensibilidade. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Roberto Píriz nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1966.
ESTUDOS E ATIVIDADES: Escola Nacional de Belas artes (ENBA). Clube de Gravura (Técnicas de gravura). Ateliê Clever Lara (Desenho e Pintura). Ateliê Guillermo Fernández. Bolsa de estudo em Altzella, Alemanha (Fundação Batuz). É docente em Expressão Plástica (Ateliê Malvín).

EXPOSIÇÕES: Fucuroi City Project, Art Front Gallery (Comissário Fram Kitawa, Tóquio, Japão). Mostra Coletiva “Sur 4” (Galeria Principium, Buenos Aires, Argentina). A linguagem da escultura, Montevidéu, Uruguai. Uruguai cultural (Foundation for the Arts, Washington DC, EE.UU).

Octavio Podestá

Carlos Seveso

Master Suite Seveso ~ Lunalaguna ~ Lustre, acrílico/óleo sobre tecido ~ Mural, encáustica sobre Madeira ~ Pintura octogonal, acrílico/óleo sobre tecido ~ Mural cerâmico esmaltado ~ Mosaico

Carlos Seveso iniciou um diálogo sutil e profundo entre a pureza e brancura do seu cômodo — pensado como uma caixa branca em que tudo é tênue e antigo — e a potência incontível de suas obras. De sólida trajetória pictórica e conceitual, o artista nos aproxima do mundo das tradições clássicas em seu tondo, que se assemelha a uma rosa dos ventos, onde os pontos cardeais não são somente uma metáfora dos diálogos interculturais, mas estão marcados a sangue e fogo: o cálice, a taça sacramental em que observamos o continente sul-americano, que pode ser também um cacho de uvas, como a terra que promete abundância, o renascer — o sangue cristão que torna a nascer?

A representação elegíaca de cerâmica sobre a lareira: encontro ritual, sacramental, das raças, dos seres diferentes, celebrando o ponto de reencontro, o nascimento de uma cultura nova, mestiça, única; o compartilhar o cântaro da vida, que tanto contém os fluidos sagrados quanto as chamas que iluminam os novos caminhos dos viajantes e dos habitantes destas longínquas terras do sul.

No friso realizado com a técnica de encáustica, o criador interpola sua própria memória sensível da paisagem de praia — eternos horizontes, eternos entardeceres do verão — em que nasceu e forjou sua vida e sua arte, com a distante costa de José Ignácio.

O naufrágio é uma peça que, carregada de história, nos comove por sua coloração e sua localização na zona do banheiro — templo do corpo. Fala-nos das nossas costas sedutoras, amáveis mas também perigosas, e que tomam o que desejam; mas ao mesmo tempo nos fala do naufrágio ou da ancoragem nesta terra amada, que sempre é duro deixar e que a tantos forasteiros albergou.
Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ Carlos Seveso nasceu em Montevidéu, Uruguai, em 1954. Artista nacional de extensa trajetória, fundamentalmente na pintura. Podemos observar em seu currículum vitae experiências em instalação, trabalhos grupais, etcétera. É diretor de ateliê, grau 5, no Instituto Nacional, Escola de Belas artes, da Universidade da República.

José Trujillo

(1960 – 2019)

Trujillo Suite ~ Ginásio e Spa ~ Corpos: acordes e silêncios ~ Óleo sobre tela ~ Óleo sobre pared

Pintor de la sensualidad de los interiors. Este interior de habitación explota con el placer de ver los cuerpos dialogando. Hombre-mujer/mujer-hombre, primarios desnudos sensuales, de carne tangible, de piel sedosa, de cabelleras exuberantes. Pies, manos, senos, brazos… Trujillo construye una poética de la corporalidad. La pintura al óleo se vuelve carne, la carne se vuelve pintura.

Esos cuerpos nos rodean, nos invitan —desde su silencio erótico— a dejarnos llevar hacia un espacio sin fronteras, habilitando lo onírico, la ensoñación. Estos cuerpos desnudos son historia del arte, nunca obscena, siempre pictórica; casi por momentos resultan arquitectónicos. Construidos por una mano y un ojo rigurosos en la composición y la expresión, generan, en su interacción, un punto alto del diálogo entre los tiempos de la historia del arte: el desnudo en la antigüedad, el desnudo en el clacisismo, el desnudo en la modernidad. Por momentos la vibración es tal que casi podemos sentir que más que cuerpos posando para el artista son cuerpos que danzan, que desde su quietud de amantes o adoradores del sol, son cuerpos vivos que generan una coreografía única, rítmica, con ecos melódicos inaudibles, pero aun así percibidos por el observador sensible.

Las paredes de tela de la habitación remedan un taller de pintor. Espacio icónico, cargado de sabiduría y experiencia. Tal vez una de las obras más importantes de la historia del arte: El taller del pintor, de Courbet, con la mujer desnuda al centro, sea un referente inevitable. El taller del artista connota el espacio donde todo es posible, donde lo no creado vibra, donde lo sin forma late, donde las ideas rozan y generan el susurro de la seda, donde los silencios son estallidos de óperas o melodías de desayunos sobre las hierbas.

Trujillo: un refinado de la pintura de espacios urbanos y de paisajes, es también pintor de la figura humana. Nos trae a este mundo, donde una parte esencial suya, de su historia, será compartida por siempre con el viajero deseoso de ser aceptado en un taller de artista, por sus modelos, por la belleza y el sabor de los cuerpos latiendo y estremeciéndose, estáticos y en silencio… Nos permite compartir con él este espacio para la poesía, para la pasión, para la contemplación del otro y de nosotros mismos. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ JOSÉ TRUJILLO nació en Montevideo, Uruguay, en 1960. Estudió Dibujo y Pintura con M. Lima. Vive en Punta del Este, Maldonado, Uruguay.

Alejandro Turell

Turell Suite ~ Óleo/acrílico sobre tela ~ Grabado en metal ~ Aguafuerte/punta seca, impreso en papel ~
Ensamblaje de objetos

El creador se ubica en un lugar de narración artística sumamente sofisticado. Por un lado propone una obra personal, con búsquedas meticulosas y mínimas, así como con visiones cosmogónicas y con estudios zoológico – botánico – paleontológicos; por otro, instala una suerte de escenografía con sabores históricos, donde la referencia a sus admirados investigadores, como Linné, Darwin, Humboldt u otros, científicos-protocientíficos y diletantes de siglos pasados, le hace recrear el ambiente de investigación en la paz de un interior lleno de conocimiento y hallazgos estéticos.

Turell tiene siempre presentes los elementos del entorno, de su identidad ecológica, de los animales que con científica dedicación describe en pinturas y grabados de manera muy cuidadosa. Los grabados que encontramos son de una exquisita realización, tal como lo hacían los antiguos dibujantes de los emprendimientos científicos en los siglos XVIII y XIX, que acompañaban las expediciones para constatar los descubrimientos maravillosos del nuevo mundo. Turell nos hace volver a ver nuestro propio entorno, nuestro medio ambiente, con la visión de un artista joven, intrépido, curioso, de mirada prospectiva.

Los que muestra son animales y plantas autóctonos que, con respaldo taxonómico, se unen a la representación del paisaje total. Así vemos una lechuza de campanario, un armadillo, una perdiz, unos pájaros carpintero de copete rojo, unas aves construyendo-anidando entre finos juncos…, en pinturas que tienen un espacio temporal ambiguo (atardeceres o amaneceres) pero intencionalmente reglado, a modo de estudio arqueológico.

Pero Turell proyecta su pintura también hacia objetos de uso práctico: un delicado biombo conformado por el encuadre de doce pinturas estrictamente cuadradas, con descripción de aves avistadas en el lugar, sobre un fondo neutro, casi extrapoladas de la naturaleza, para ser vistas con los ojos del naturalista que todo lo analiza.

Las vitrinas nos hablan de un artista con valores para la instalación y el trabajo tridimensional. Una vitrina real, “cámara de maravillas”, cargada de objetos/sujetos —encontrados en la estancia y otros que ha venido recolectando-atesorando— llenos de valoraciones objetivas y personales, que nos hacen evocar a los coleccionistas amantes del descubrimiento fortuito o intencional, pero que siempre se manifiesta pleno de entusiasmo al ver el entorno natural desde su mínima expresión.

Turell complementa esta magnífica propuesta artística con la realización de tres libros de arte: Naturalium (Animalia), Iconographia Florae, Avistamientos.

En estas obras imprime e interviene fotos y textos, poemas-odas de Pablo Thiago Rocca con alto contenido patrimonial y referencias a la tierra uruguaya de mucha intensidad. Estos libros juegan —en el amplio sentido de la palabra— con el múltiple sentido del libro: el libro como objeto, el libro como metáfora, el libro como portador de datos y transmisor de ideas.

A su vez, en la instalación que se encuentra en el patio, Turell nos propone, con sus “lanzones” —obras en madera dura de ibirapitá, dispuestas según los puntos cardinales y emplazadas en círculo, creando un vínculo directo entre el plano horizontal y el vertical (macro y microcosmos)—, intentos de reflexionar a la manera del Land-art sobre nuestra ubicación respecto de los grandes paradigmas del ser humano. Enrique Badaró ~ 2008

Biografia ~ ALEJANDRO TURELL nació en Montevideo, Uruguay, en 1975. Artista licenciado en Artes Plásticas y Visuales, ha realizado numerosas exposiciones colectivas e individuales. Trabaja en instituciones nacionales como docente. Ha obtenido invitaciones para exponer en el exterior (Buenos Aires, Washington DC, Los Ángeles, Frankfurt am Main), y para preparar, junto con docentes extranjeros, proyectos, clases y talleres. En 2001 obtiene el Segundo Premio del Salón Nacional y el Primer Premio en 2002. Ha sido premiado en dos oportunidades (2004 y 2006) con el Premio Paul Cézanne (Embajada de Francia).

Jorge Páez Vilaró

Pertencente a uma das famílias mais antigas do país, criada e educada em uma cultura generosa. Concluiu seus estudos na LaSalle University, com especialização em Contabilidade Industrial, o que garantirá uma primeira etapa de trabalho em importantes indústrias do Uruguai.

Frequenta oficinas de vários mestres: Guillermo Rodriguez, Enzo Kabregu, Vicente Martín, Lino disse Dinetto em que condições para a prática das artes. Desde 1948, logo após a guerra, ele se estabeleceu na Inglaterra, juntando-se às figuras mais proeminentes das artes locais. A partir desse momento, ele fez várias viagens para a Europa.

Em 1957 organizou e dirigiu o Museu Municipal de Arte de Amsterdã uma grande mostra da arte uruguaia, inclusive Torres Garcia, que depois se dirigiu a várias cidades, tendo-a como principal facilitador e palestrante vinculado ao mundo da museologia.

1961: expôs pela primeira vez na Galeria Pizarro, de Buenos Aires (Argentina), com grande aceitação, fundamentalmente dos mais jovens. Foi um dos pioneiros do movimento informalista na América Latina. E possuiu uma das coleções privadas mais importantes do país, com obras de P. Picasso, P. Mondrian, J. Miró e A. Rodin, dentre outros grandes mestres das artes. Participou das bases da Bienal de São Paulo. Compareceu a todas as suas edições como crítico, pintor, delegado e também como membro do júri de premiação internacional. Nos anos setenta promoveu o “Dibujazo”. Expandiu entre os artistas a idéia de transitar pelo desenho como meio expressivo por si mesmo. Nesses anos inaugurou o Museu de Arte Americana de Maldonado (MAAM), onde se expõem objetos pré-colombianos, coloniais e de arte contemporânea. Do cenário do MAAM organizou amostras internacionais, certames nacionais, exposições de homenagem, panorâmicas, semanas da cultura, concertos, teatro, balé, conferências, encontros e festivais. Estes eventos continuam sendo realizados ainda hoje sob a direção do seu filho. Suas telas e desenhos são expostos em importantes museus do Uruguai e do resto do mundo, bem como em infinidades de coleções particulares.

Rodrigo Zorrilla de San Martin

Biografia ~ Nasceu em Montevidéu em 12 de abril de 1972, desde menino assistiu a oficinas de livre expressão, uma delas com Gustavo Pollo Vázquez.

1990 a 1991: assistiu ao ateliê de pintura Taller Villa Lola, do artista plástico Luis Árias.
1994 a 1995: assistiu ao ateliê de pintura de Edgardo Ribeiro Nario (filho).
1995 a 1996: seguiu estudos com Edgardo Ribeiro (pai). Assistiu ao ateliê de escultura de Estela Mattos. 1996: expôs na Primeira Exposição Plástica Jesus María; os curadores foram Ignacio Iturria, Gustavo Vázquez e Mario Lorieto. Apresentou obras na Exposição Taller de Estela Mattos.
1996 a 1997: assistiu ao ateliê de escultura de Mariví Ugolino.
1997: expôs no XVI Salão Leonístico de Artes plásticas da Juventude, do Clube de Leões.
1997 a 1998: assistiu ao ateliê de pintura de Walter Nadal.
1999 a 2000: assistiu ao estúdio de fotografia do Foto Clube Uruguaio.
2000 a 2004: pintou em seu próprio ateliê.
2005 a 2006: pintou no ateliê da Fundação de Arte Contemporânea (FAC) com Fernando López Lage. 2007: pintou em seu próprio ateliê em Carrasco.
2008: inaugurou um novo ateliê em Pocitos.
2009: em janeiro expôs em Punta del Este a série Retratos, na Fundación Pablo Atchugarry. Em maio, no Espacio Cultural San José. Em setembro e outubro, na Galeria J. E. Gomensoro, Buenos Aires (Argentina). Em novembro, no Regency Club, Los Angeles (Estados Unidos).
2010: em março realizou e doou uma obra sobre a sexta estação do Via Crucis para a igreja São José da Montanha. Em abril expôs a série Escritores de América no Museu Zorrilla de San Martín.